UNTITLED . Peter Kogler . Lichtstadt Feldkirch 2021 Der österreichische Medienkünstler Peter Kogler lässt das Innere der Johanniterkirche vor unseren Augen aus den Fugen geraten. Ein schwarz-weißes geometrisches Muster wird auf die Architektur gemappt. Die computeranimierte Projektion zeigt im Zusammenspiel mit dem von Franz Pomassl entwickelten Sound amorphe Bildwelten und schafft einen labyrinthischen, sich dynamisch verändernden und rekonstruierenden Raum.

1931 Lois Welzenbacher 2012 Sanierung Hans Peter Freisinger

"aufbruch in die architekturmoderne el salvadors"

Zahlreiche Schulen, Märkte und Gemeindeämter, große öffentliche Verwaltungs- und Kulturbauten, aber auch eine Vielzahl an Projekten für private Auftraggeber – sie alle zählen zum beeindruckenden und doch in Europa nahezu unbekannten Œuvre, das Ehrentraut Katstaller-Schott (1924 – 2024) und Karl Katstaller (1921 – 1989) in allen Teilen El Salvadors realisiert haben. Die beiden Architekt:innen, die sich in Wien in der Meisterklasse von Lois Welzenbacher kennengelernt hatten, folgten 1952 einem Aufruf der Regierung El Salvadors und wurden in den folgenden Jahren zu bedeutenden Protagonist:innen der architektonischen Moderne des zentralamerikanischen Landes. Die von Ivona Jelčić und Nicola Weber kuratierte und von einer Publikation begleitete Ausstellung im aut dokumentiert erstmals umfassend Leben und Werk des Architekt:innenpaars. Anhand von bisher unveröffentlichtem Material aus dem Archiv Katstaller-Schott wird ihr Weg von der europäischen Moderne bis zum mittelamerikanischen "modernismo tropicalizado" nachgezeichnet und insbesondere das Wirken von Ehrentraut Katstaller-Schott als Pionierin weiblichen Architekturschaffens in El Salvador beleuchtet.

Fotoarbeiten entstanden im Rahmen des Projekts "Steine zwischen den Fronten . antifaschistische Denkmäler im ehemaligen Jugoslawien" von Melanie Hollaus und Christoph Lammerhuber .

Name: The Battle of Sutjeska Memorial Monument Complex in the Valley of Heroes

Location:  Tjentište, Republic of Srpska, Bosnia & Hercegovina

Year built: 1971 (2 years to build)

Designer: Miodrag Živković

„Our projects are examples of attitudes rather than designs. They are samples in a series of contextual examinations rather than isolated masterpieces. They are associative rather than symbolic. They are comments rather than statements. Every story told is a shared experience of contemporary conditions set within a given frame.“ (Snøhetta)

Das 1939/40 errichtete Ferienhaus am Col da Lech in Wolkenstein ist ein Beispiel der "Neuen Sachlichkeit" im alpinen Raum. Geplant wurde es von einem bedeutenden Architekten der Nachkriegsmoderne, Armando Ronca, der Mitte der 1930er-Jahre nach Südtirol übersiedelte und die dortige Architektur wesentlich mitgestaltete. (Text: Autonome Provinz Bozen Südtirol)

Tony Oursler - Specular Eröffnung 2. September 2021, 16 – 20 Uhr Ausstellungsdauer 3. September – 21. November 2021 Tony Oursler präsentiert im Kunstraum Dornbirn mit „Specular “ eine mehrteilige Videoinstallation. Auf Sphären unterschiedlicher Dimension werden eigens für den Kunstraum Dornbirn entwickelte Videosequenzen projiziert. Mit der Ausstellung in Dornbirn entwickelt Tony Oursler die seit 1996 fortlaufende Serie Obscura weiter, eine Werkreihe, die die Position der Betrachter*innen in Bezug auf das Spektakel aktueller popkultureller Sehtrends thematisiert. Der amerikanische Multimediakünstler Tony Oursler (*1957 in New York, USA) gilt als einer der Pioniere der Medienkunst. Er beschäftigt sich seit den 1970er mit der permanenten Weiterentwicklung der Medien, den daraus resultierenden stetigen Veränderungen und Auswirkungen der Informationsflut auf den Menschen.

Edith Stein – Philosophin und Mystikerin, Jüdin und Christin, Frauenrechtlerin, Ordensfrau und Heilige, Opfer der Shoah: Zum 80. Todestag der Namensgeberin  der benachbarten Hochschule thematisiert das Museum Stift Stams mit einer Ausstellung zeitgenössischer Arbeiten Leben und Werk der Patronin Europas. Idee und Auftrag stammen nach der erfolgreich rezipierten Petrus Canisius-Ausstellung im Jahre 2021 wiederum von dem Kunsthistoriker und Bischof von Innsbruck Hermann Glettler.  Rund 40 Positionen hat Kurator Hubert Salden aus Galerien und Museen quer durch ganz Europa von Antwerpen über Berlin und Barcelona bis Wien zusammengestellt. Gustav Metzger, Luc Tuymans, Marcel Odenbach oder Louise Bourgeois sind ebenso in der Ausstellung vertreten wie die beiden aus Tirol stammenden Künstler Thomas Riess und Franz Wassermann. Die künstlerischen Arbeiten thematisieren, so Kurator Hubert Salden, soziale Aspekte der Gesellschaft heute und deren Entsprechung in der Lebenszeit von Edith Stein ebenso wie die Möglichkeiten des Bildnerischen als Ausdruck des Geistigen in einer pluralistischen, von Diversität geprägten Gesellschaft. EDITH STEIN . losing by winning .Ausstellung im Museum Stift Stams . bis 11. Dezember 2022 . Mit Werken von: Philippe Agostini . Kenneth Anger . Dieter Appelt . Gabriele Aulehla . Kahled Barakeh . Monica Bonvicini . Louise Bourgeois . Pina Bausch . Christine Colditz . Michael Croissant . Günther Förg . François Gérard . Tue Greenfort . Thomas Hirschhorn . Ali Kaaf . Ursula Kaufmann . Yves Klein . Christiane Löhr . Nina Mair . Thomas Merton . Gustav Metzger . Marcel Odenbach . Albert Oehlen . SUSI POP . Ad Reinhard . Thomas Riess . Andres Serrano . Erik Steinbrecher . Luc Tuymans . Ian Waelder . Mark Wallinger . Franz Wassermann . Lois Weinberger . Eine Ausstellung der Bischöflichen Mensa in Innsbruck, Stift Stams und der KPH Edith Stein . Kurator: Dr. Hubert Salden . Ausstellungsorganisation: kub.tirol, Ruth Haas & Astrid Schneider Ausstellungsaufbau: Siegmund Eller Assistenz: Noam Schwarz Beleuchtung: Architektenteam Christian Höller & Martin Zangerl Technik: Otto Wulz Visuelle Gestaltung und Design: Günther Thöni Kunsttransporte: Nikolaus Opperer, Günther Ludwig, Otrans Ausstattung: Rahmen Auer, Beschriftungen Karl Walch, Foto Lamprechter, Hörtenbergdruck, Team der Diözese Innsbruck und der Bischöflichen Mensa Fotografie: Günter Richard Wett, Verwaltung & Team Stift Stams Sponsoren und Förderer Österreichische Ordenskonferenz Teresianischer Karmel in Österreich Zisterzienserabtei Wettingen-Mehrerau Erzdiözese Salzburg Diözese Feldkirch Diözese Innsbruck Freundeskreis Stift Stams Edith-Haberland-Wagner-Stiftung, München Raiffeisen Landesbank Tirol AG Innsbruck Tourismus UNIQA Athesia AG/Spa Gemeinde Stams Land Tirol

„Die Gruppendynamik ist ein undurchschaubares, unergründliches Ding. Viele Köpfe, viele Luftschlösser, viele Phantasien, viele Unterschiede.  Das bringt Vorteile mit sich, hindert uns aber ebenfalls daran alles unter einen Hut zu bekommen.  Das kann man als Schwierigkeit betrachten, kann es aber auch nutzen um sich nicht unter einen  Hut stecken zu lassen. Eines steht jedenfalls fest: Wir sind zwar ein Verein mit einer sich wandelnden Agenda, haben es uns aber zum Auftrag gemacht gemeinsam Dinge anzupacken, auszutüfteln, sie auszuloten und wieder aus dem Gleichgewicht zu bringen. Wir kippeln bis es kribbelt und erforschen Kratergrenzen bis der Meteorit uns trifft. Dafür müssen wir mit euch träumen, diskutieren uns auseinander- und wieder zusammensetzen.“ (Krater Fajan)

von Architekt Simon Oberhammer

von FERD1NAND . Architekt Ferdinand Haslwanter

von Gritsch Haslwanter Architekten

von DIN A4 Architektur

Chiharu Shiota Who am I Tomorrow? Kunstraum Dornbirn Ausstellungsdauer 7. Juli bis 12. November 2023 täglich 10 bis 18 Uhr Chiharu Shiota ist 1972 in der Präfektur Osaka, Japan, geboren und lebt seit 1998 in Berlin. 1992–1996 studierte sie an der Seika-Universität in Kyoto und besuchte 1996–1997 die Hochschule für bildende Künste in Hamburg. Danach studierte sie bis 1999 an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig und anschließend bis 2003 an der Universität der Künste in Berlin. Ihr Werk wurde weltweit in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert, unter anderem vertrat sie 2015 Japan auf der Biennale in Venedig.

Die Ausstellung „on/“ der österreichischen Künstlerin Judith Fegerl ist mit dem Kunstraum Dornbirn symbiotisch verschmolzen und schaltet ihn ein. Strom fliesst. Für Fegerls Arbeiten kommt der Strom jedoch nicht wie gewohnt aus der Steckdose, sondern von einem eigens für die Ausstellung konzipierten und installierten Solarkraftwerk an der Südseite des Ausstellungsraums – eine geschichtsträchtige Referenz, wurden doch in der ehemaligen Montagehalle, welche die Rüsch-Werke 1893 erbauten, Turbinen für die ersten Wasserkraftwerke gebaut. Mit der Umwidmung der rohen Industriearchitektur von einer Produktionsstätte in einen Raum zur Präsentation Bildender Kunst wurde nicht nur eine einzigartige Ausstellungssituation geschaffen, die ortsspezifische Kunstproduktion besonders reizvoll macht. Der Betrieb ist seit jeher den witterungsbedingten Schwankungen unterworfen. Fegerl interessiert grundlegend, was hier ansatzweise angesprochen und sonst wenig beachtet wird: Wie funktioniert der Ausstellungsbetrieb? Welche Infrastruktur ist vorhanden und erfüllt sie die Mindestanforderungen? Wie fragil, verwundbar oder leistungsfähig ist sie? Wie wirkt sich das Klima, der Sonnenstand oder die Dunkelheit auf die Werke und ihre Wahrnehmbarkeit aus? Die Künstlerin arbeitet mit dem gesamten Gebäude, verschränkt Geschichte und Gegenwart, interveniert in dessen Substanz und involviert maßgebliche funktionale Elemente. Fegerls Auseinandersetzung fordert durchaus institutionskritisch dazu auf, Nachhaltigkeitsbestrebungen in Institutionen sowie dem übergeordneten kulturpolitischen System zu intensivieren und durch infrastrukturelle Umstellungen am Puls der Zeit zu bleiben. Die Dornbirner Ausstellung bildet das multimediale Spektrum Fegerls künstlerischer Arbeit in einer fein aufeinander abgestimmten Setzung im Raum ab. Die Erforschung der Möglichkeiten elektrischer Energie als bildhauerisches und bildgebendes Material provoziert eine Reflexion über die Verfügbarkeit und den Umgang mit Ressourcen. Die Künstlerin eröffnet über die Faszination für zeitbasierte, transformative Prozesse von Kräften und Materialien einen experimentellen Raum. Die Verknüpfung einer Ästhetik des Funktionalen mit der Autonomie der Kunst leistet einen Beitrag in den aktuellen Debatten um Ausstellungspraktiken und deren Verantwortlich- sowie Möglichkeiten, ist aber auch ein Kommentar zu einer gesamtgesellschaftlichen Haltung in unserer an Komplexität zunehmenden Gegenwart: „Man kann sie nicht sehen, man kann sie nicht hören, und man kann sie bis zu einem gewissen Grad auch nicht spüren. Trotzdem ist elektrische Energie die Grundlage unseres modernen, technologisierten Lebens: Fortschritt und Entwicklung, Nutzen und Luxus, aber auch Konflikte über Verteilung und Bereitstellung und vor allem die Umweltproblematik – Energie ist ein hochpolitischer Stoff.“ (Judith Fegerl) Judith Fegerl wurde 1977 in Wien geboren, wo sie heute lebt und arbeitet. Sie absolvierte den Studiengang „Visuelle Mediengestaltung und digitale Kunst“ an der Universität für angewandte Kunst in Wien bei Karel Dudesek, Thomas Fürstner und Peter Weibel (Diplom 2004). Zeitgleich studierte sie an der Akademie der bildenden Künste Wien „Kunst und neue Medien“ bei Peter Kogler und Birgit Jürgenssen (Diplom 2006). 2019 erhielt die Künstlerin den Medienkunstpreis der Stadt Wien und kürzlich wurde sie mit dem Dagmar-Chobot-Skulpturenpreis 2022 ausgezeichnet. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog. (Kunstraum Dornbirn 2023)

Monika Sosnowskas massive Arbeiten vermitteln eine irritierende Leichtigkeit, die in der schnellen, humorvollen Geste der Manipulation von industriell hergestellten Bauelementen nur kurz standhält. Den schwergewichtigen Skulpturen ist ihr Produktionsprozess spürbar eingeschrieben, die Leichtigkeit wird von der tonnenschweren Materialität konterkariert und aufgelöst. Der Titel der Arbeit „T“ (2017) orientiert sich am Ausgangsmaterial – nicht an der entstehenden L-Form –, nämlich einem tragenden Bauelement, welches statischen Ansprüchen Rechnung trägt und nach dem Bauprozess meist unsichtbar ist. So auch die Stahlstreben von „Rebar 16“ (2017), einem Bündel aus 16 Millimeter dicken Bewehrungsstäben, deren Oberfläche eine gute Haftung für den umgebenden Beton bietet, um Zug- und Druckkräften im Gebäudeverbund standzuhalten. Das weiße ehemalige Rohr ist mit „Pipe“ (2020) bezeichnet und die hängende Gitterstruktur nennt die Künstlerin „Facade“ (2013). Im letzten Fall lasten 1,3 Tonnen Materialschwere auf der singulären Aufhängung – und pointiert ironisch auf dem Berührungspunkt einer Ecke auf dem Boden. Sosnowska ahmt die Baumaterialien nicht im heute vielbeschworenen 3D-Drucker nach, sondern lässt sie industriell fertigen, sprich bautechnisch voll funktionsfähig ausbilden. Die Künstlerin eignet sich die Charakteristika der Materialien an, indem sie nach der Herstellung deren Funktion durch kraftvolle Manipulation wieder ad absurdum führt. Die fertigen Teile werden gebogen und verzogen, bis das Material ermüdet und der neuen Form nachgibt, die es dann unveränderbar annimmt und trägt. Dabei spielen Zufall und Schnelligkeit eine schwindend geringe Rolle. Vielmehr ist die inhärente Choreographie der Arbeiten in Modellen und Zeichnungen vorbestimmt, die Tragfähigkeit der Struktur durchdacht und die räumlich-suggestive Wirkung präzise gesetzt. Den Arbeiten ist eine dysfunktionale Referenz ihrer ursprünglichen Bestimmung inhärent, die eine besondere Ästhetik und Poetik zu erzeugen vermag. (Text:  Kunstraum Dornbirn)

Als Francesca Torzo 2016 im Rahmen der Ausstellung „Italomodern 2“ als Ver­ treterin der jungen Generation im aut war, galt die 1975 in Padua geborene Archi­ tektin noch als Geheimtipp. Inzwischen zog sie mit ihrer sensiblen Erweiterung des Z33 – Zentrum für zeitgenössische Kunst in Hasselt internationale Aufmerksam­ keit auf sich und war etwa unter den fünf Finalisten beim international renommier­ ten Mies van der Rohe Award 2022. Die von Francesca Torzo für das aut gestaltete Ausstellung „Day by Day“ ist ihre erste große Personale. In Form eines atmosphärisch dichten Parcours durch unsere Räumlichkeiten werden für sie wesentliche architektonische und gesellschaft­ liche Fragestellungen verhandelt und die Arbeitsweise des Büros vorgestellt. Eine Ausstellung in Kooperation mit Fondazione maxxi, Rom und Triennale di Milano (Text: aut - Architektur und Tirol)

Auf beiden Seiten des 120 Meter langen Tunnels unter dem Hauptbahnhof erzeugt Peter Sandbichler mittels reliefartiger Wandinstallationen ein Erfahrungsambiente. Dieses kalkuliert damit, nicht aus einer statischen Position, sondern stets im Durchschreiten oder Durchfahren wahrgenommen zu werden und trägt so der Funktion des Ortes als Passage Rechnung. Die Arbeit besteht aus abwechselnd konkaven und konvexen Keramikmodulen in zwölf Farben, die nach seriellen Prinzipien angeordnet sind. Die Profile der Module sind so gestaltet, dass sich aufgrund von Überlappungen der Formen und Farben beim Durchqueren des Tunnels ständig wechselnde optische Effekte ergeben. Sandbichler schließt damit an Fragestellungen und Gestaltungsprinzipien an, die ab Mitte der 1950er-Jahre die Op Art beschäftigt haben. Sie führt uns die Täuschbarkeit unserer Sinne buchstäblich vor Augen und macht – wie Sandbichlers Installation – die Rezeption von Kunstwerken zu einer körperlichen Erfahrung, da diese aus wechselnden Perspektiven immer wieder anders erlebt werden. An ihrem spezifischen Ort, im Tunnel unter dem neuen Hauptbahnhof, der zwei soziokulturell sehr unterschiedliche Bezirke miteinander verbindet, wird Sandbichlers Installation so auch zu einem Plädoyer gegen starre Positionen zugunsten von Offenheit und Toleranz. Der Werktitel 12 Töne ist eine Anspielung auf die Zwölftonmethode bzw. die Reihentechnik in der Musik, die ebenso wie diese Arbeit mit einem festgelegten limitierten Tonmaterial in seriell-variierenden Anordnungen operieren. Text: Eva Badura-Triska

Fotoarbeiten entstanden im Rahmen des Projekts "Steine zwischen den Fronten . antifaschistische Denkmäler im ehemaligen Jugoslawien" von Melanie Hollaus und Christoph Lammerhuber . Das Denkmal für die Revolution (Spomenik Revoluciji) ist ein Denkmal des jugoslawischen Bildhauers Dušan Džamonja, welches von 1971 bis 1972 im Nationalpark Kozara im heutigen Bosnien und Herzegowina errichtet wurde. Es erinnert an die gefallenen Partisanen der Kozara-Offensive (von den Achsenmächten als Operation West-Bosnien bezeichnet) im April 1942. Nachdem die Partisanen eine Reihe von Gebieten erkämpfen konnten, mobilisierten die Achsenmächte tausende Soldaten, davon 15.000 Soldaten von der Wehrmacht, dazu 22.000 Soldaten der Ustascha und weitere Soldaten faschistischer Organisationen. Dagegen standen 3.000 Partisanen mit etwa 60.000 untrainierten Unterstützern aus der Zivilbevölkerung. Nur 900 Partisanen überlebten den Kampf und mindestens 10.000 Zivilisten verloren ihr Leben. Es war eine der tragischsten Niederlagen der Partisanen. (Quelle WIKIPEDIA)

Der 1950 bis 1955 nach Plänen des französisch-schweizerischen Architekten Le Corbusier errichtete Kirchenbau zählt zu den berühmtesten seiner Art in der Moderne. Er gilt aufgrund seiner zahlreichen visuellen Metaphern, des Reichtums seiner Raumgliederung sowie seines Vorbildcharakters als Ikone der Architektur.^[2] Seit 17. Juli 2016 ist er außerdem offiziell als UNESCO-Weltkulturerbe gelistet. Die Kapelle wird häufig als ein weiteres Werk in der Reihe seiner Brutalismus-Bauten geführt, der sich in den 1950er Jahren in England entwickelte. Da es sich aber materialmäßig und konstruktiv um eine Mischkonstruktion handelt,^[5] und die Oberfläche aller Bauteile mit Betonspritzputz behandelt wurden, ist weder Sichtbeton („beton-brut“) noch Corbusiers sonst so typische „Schachtel mit belebtem Innenleben“ („boîte a miracles“) vorhanden. Mit der mystischen Lichtführung und stark auf die Liturgie ausgerichtet muss diese Kirche als ganz eigenständiges Werk betrachtet werden. (Quelle WIKIPEDIA)

mit Richard Höck

Architekten : Julia Stefanie Meyer und Simon Oberhammer , Wien

Architekt Christian Schwienbacher , Brixen

Architekten Lutz und Amann

NUR GESICHTER? PORTRÄTS DER RENAISSANCE

SELBST-INSZENIERUNGEN Die Ausstellung thematisiert vor allem die bildwissenschaftlichen und sozialgeschichtlichen Aspekte des Porträts. Durch die Abkehr vom religiös motivierten Stifterbildnis des Mittelalters gewann das autonome Porträt als eigenständige Bildgattung in der Frühen Neuzeit zunehmend an Bedeutung. Regenten, Adelige und Patrizier gebrauchten ihr Bildnis als wirksames Mittel der Selbstinszenierung. Durch Kleidung, Schmuck, Wappen und Inschriften unterstrichen sie ihren gesellschaftlichen Rang. Ein einzigartiges Zeugnis ist das Trachtenbuch des Matthäus Schwarz, in dem er sich in 137 wechselnden Kleidungen – auch nackt – darstellen ließ. Er gilt somit als bildhaft bestüberlieferter Mensch seiner Zeit. Selbst im Sterben wurde diese Art des „Self-Fashioning“ (Stephen Greenblatt) wirksam: Die Totenporträts Martin Luthers und Maximilians I. verdeutlichen, dass Bilder des „letzten Gesichts“ vor allem politische Aussagen transportieren sollten.   TREFFEN AUF DER PIAZZA Die Ausstellung macht das Ferdinandeum zur Bühne. Das Gestaltungskonzept setzt die Porträts auf einer Piazza in Szene und lässt die Aura der längst vergangenen Präsenz der Reichen und Mächtigen der Renaissance wieder aufl eben. Die Schau versammelt 130 Exponate aus den Beständen der Tiroler Landesmuseen sowie Leihgaben bedeutender Museen und Privatsammlungen. Gezeigt werden Gemälde, Zeichnungen, Druckgrafiken, Schmuckstücke, Porträtmedaillen und Schau-Münzen von Künstlern wie Albrecht Dürer, Hans Burgkmair dem Älteren, Christoph Amberger, Jörg Breu dem Älteren, Hans Wertinger oder Lucas Cranach dem Älteren und dem Jüngeren.

Architekt Bernardo Bader . Dornbirn

ao - architekten . innsbruck

AUTARK . Aron Demetz - Robert Pan On the autonomy of the material and the discipline of the thought and the hand. In an scene dominated by a fixed formal language to make the artwork easily placeable and more accessible forvisitors, collectors and others involved, Aron Demetz and Robert Pan stand their ground of artists who, beside their specific language and practice, engage first and foremost in a continuous and incessent experimenting. This involves all levels of conception, creation and making of the work, and regards the materials as well as the techniques used. Material, method and technique exceed the mere practical and technical dimension to become the proper motor and support for poetical and philosophical choices, hence becoming themselves a form of representation of the subject and the focus of the exhibition at Galleria Doris Ghetta. The total of the works exhibited at the gallery also show a new phase in the artistic research of each artist. They are linked by an ethical and experimental approach, while keeping their very own stilistic singularities. Text by Alessandro Romanini

Generalplaner Architektur: STUDIO MAKS Generalplaner Ausstellung: büro wien. Inszenierte Kommunikation Marketing GmbH

Architekt Hubert Prachensky

ao-architekten . innsbruck

Haslwanter Gritsch Architekten / Architekt Karlheinz Röck

Fügenschuh Hrdlovics Architekten , Zirl

architekt walter angonese

architektur igor comploi und thomas mahlknecht

mit TEODORA AXENTE , ALIN BOZBICIU , OANA FARCAS , SERGIU TOMA

lichtplanung und sonderleuchten : LICHTFABRIK HALOTECH

comfort architekten, bruneck

architekt Manfred Gsottbauer

architektur schwaighoer und Partner . Projektleitung Alexandra Schmid Roner

team k2 architekten

von ostertag architekten

Architektur team k2

architekt Volker Giencke

Die Bocksiedlung war eine Siedlung im heutigen Stadtteil Reichenau. Rund um diese Siedlung ranken sich zahlreiche „Legenden“ bzw. unzählige Versionen weniger Legenden.

Wo heute Hochhäuser und Gewerbebetriebe angesiedelt sind, stand seit der Mitte der 1030er Jahre bis etwa 1970 die sagenumwobene Bocksiedlung. Benannt wurde sie nach Johann Bock, dem Betreiber einer Frächterei. Wegen seines forschen Auftretens genoss er breites Ansehen und galt in der Siedlung als „Bürgermeister“.

Nach dem Zweiten Weltkrieg litt Innsbruck unter enormer Wohnungsnot. Häuser waren zerbombt, Familien zogen vom Land in die Stadt, um dort Arbeit zu finden. In den 50er- und 60er-Jahren wurden mit Hilfe des Bundes große Wohnbauprojekte gestartet mit dem Ziel, der Bevölkerung moderne Wohnungen anbieten zu können, so wurde auch die Bocksiedlung Schritt für Schritt zurückgedrängt.

Text: Melanie Hollaus

ein fotografischer Besuch bei Barbara Anna Husar in Ihrem neuen Atelier !  On the former industrial site of a leading company for pneumatic and electric drive technology is the new studio of multimedia artist Barbara Anna Husar. On top of the tower in the canteen, wheels of primeval vertebral pieces are turning around the  cradle of estuary,  a hammock made from umbilical cords. The artist refers to her studio as a ship out of water in a sea of meteorite's traps. The 3 bonewheels are steering wheels for navigating different timelines for the creation of a lightning bolt from the umbilical cords. Outdoor and indoor space on Level 8 and the tower's basement are interwoven with fine mesh structures to enable this multimedia process. Barbara Anna Husar treats the working space as a material of her art. Her studio is a communicating vessel.  

teodora axente , solo exhibition

Architektur : Kohlmayr/Oberst Architekten . Stuttgart - Mathias Hajek . München

SonderLeuchten : Lichtfabrik Halotech

comploi mahlknecht architekten, brixen/pontives

ArchitektIn Sonja Mitterer

ATP Architekten, Innsbruck

martin und werner feiersinger

bergmeisterwolf architekten , brixen . sonderleuchten : Lichtfabrik Halotech

bergmeisterwolf Architekten

stadtlabor . Barbara Lanz und Martin Mutschlechner Architekten

bergmeiserwolf Architekten . Licht  Lichtfabrik Haloteh

SonderLeuchten : Halotech Lichtfabrik

bergmeisterwolf architekten . brixen

comfort Architekten . Bruneck

laac architekten , innsbruck . liquid frontiers , wien

LAAC Architekten . Innsbruck

ostertag architekten . wien

gritsch haslwanter architekten . silz

Architekten Comploi und Mahlknecht

Architekt Ercih Wucherer . Licht: LICHTFABRIK HALOTECH

Architekt Harald Kröpfl . Landeck

Architekt Bernardo Bader

Architekt Walter Angonese

Comploi und Mahlknecht Architekten . Brixen

columbus next architektur . SATELLITE mit thomas jeremy tait Text columbusnext

Satellit ist ein Katalysator und Stadtfeldgenerator, der abseits von herkömmlicher Bühnentechnik und deren bekannten anonymen Bau-Systemen, Wert auf Gestaltung, Atmosphäre und Kommunikation mit öffentlichen Raum und dem damit verbundenen Leben setzt. Ziel des Projektes Satellit ist die Realisierung einer mobilen Plattform für die Stadt Innsbruck und ihrer Kultur und Musikinitiativen - keine Bühne im herkömmlichen Sinne, sondern eine Stadtraumskulptur, welche während ihr Standzeit allen Stadtbenutzer/innen und Besucher/innen zur Verfügung steht. Das Projekt ist eine mobile Infrastruktur und stellt für die Innsbrucker Kunst-und Kulturschaffenden einen Satelliten zur Durchführung ihres vielschichtigen Programmes - Konzerte, Performances, Diskussionen, Filmvorführungen, Stadt-Picknicks, etc. während der Sommermonate im öffentlichen Raum dar. Während der nicht-bespielten Standzeit ist Satellit eine Aufwertung des öffentlichen Raumes, eine konsumfreie Zone, eine Skulptur, die frei zu benutzen und offen für Spontanes ist!

Sanierung : ATP architekten

JSWD Architekten , Chaix e Morel Architekten

architekten Herzog und DeMeuron

Architekt Othmar Barth

Lagerhalle Gradischegg, 2008 Standort Innsbruck / Tirol Architektur Arch. Gilbert Sommer / Arch. Andreas Flora (ehemals sapinski Salon) Idee Green Box

Fügenschuh Hrdlovics Architekten . Zirl

Architekt Harald Kröpfl . Landeck

Architekt Gilbert Sommer

Raumgestaltung der Sonderaustellung “Mehr als Worte. Zeichen. Symbole. Sinnbilder ” im Volkskunstmuseum Innsbruck Verkehrszeichen, Richtungspfeile, Qualitäts- und Besitzzeichen oder Emoticons am Handy: Unsere tägliche Kommunikation und Wahrnehmung werden wesentlich von Zeichen und Symbolen bestimmt. Sie sind Hinweis und Orientierungshilfe oder geben Auskünfte über Gedanken und Gefühle. Manche Symbole haben mehrere, oft gar gegenläufige Bedeutungen. So kann ein Schlüssel sowohl auf eine Amtswürde als auch auf eine Schlosserwerkstatt hinweisen oder gar ein Liebesbeweis sein. Es zeigt sich, dass Zeichen und Symbole in ein soziales, zeitliches und kulturelles Umfeld eingebettet sind. Deshalb sind manche Botschaften nicht für jedermann  verständlich.  Wer vermag beispielsweise heute die komplexe Bedeutung von Zunftzeichen zu entschlüsseln? Anhand historischer und gegenwärtiger Objekte beleuchtet die Ausstellung unterschiedliche Facetten dieser nonverbalen Kommunikationsform. Sie zeigt, dass selbst einfache Zeichen und Symbole komplexe Informationen vermitteln können – mehr als Worte dies in einer so kurzen Zeit auszudrücken vermögen. Würden wir uns in einer Welt ohne Zeichen und Symbolen überhaupt zurechtfinden? Text: TVKM

Ausstellung	24. April 08. November 201
Konzept	Barbara Lanz, Sonja Mitterer
Projektpartner	Volkskunstmuseum Innsbruck
	Karl Berger
	dazdesign Innsbruck

Installation - The BOO Train

Grottenbad . Architekt Josef Lackner, 1969

Lichtplanung und Sonderleuchten: LICHTFABRIK HALOTECH    /    Sanierung: Architekturbüro Hlawaczek . München    /    Altarbereich: Bildhauer Michael Schoenholtz . Berlin    /    Scheibenkreuz: Silberschmiedin Annette Zey . Nürnberg

LAAC Architekten . Innsbruck

FREIRAUM Architekten . Innsbruck

Hitthaler Stefan und Christian Schwienbacher

Stadtlabor, Lanz + Muschlechner Architekten

HaslwanterGritsch Architekten, Silz

gollwitzer architekten . baumanagement göttlicher

Konzept, Projektleitung, Textredaktion: Rath und Winkler . Gestaltung: arge gillmann schnegg, Ursula Gillmann, Matthias Schnegg, Margarethe Greiner

Tiroler Edle . Schokolade: Hansjörg Haag . Architektur: Harald Kröpfl/Landeck

zeigt die Ergebnisse der 2,5 Jahre währenden visuellen Recherche in den Tiroler Flüchtlingsheimen . von Robert Gander und Günter Richard Wett . Innenraumgestaltung: Veit Streli und Harald Hofer . Licht von LICHTFABRIK HALOTECH

Kunst von Bruch, Gappmayer, Wach, Anvidalfarei, Weinberger,.....

Architektur: Fügenschuh/Hrdlovics, Zirl

Architektur: Doris Wilhartitz

http://www.husar.tk/zuckerlfabrik.php

The old Candyfactory SANA in Vienna/Brigittenau is now the studio of multimedia artist Barbara Anna Husar. In August 2014 she finalized there her biggest project so far. The Object CRADLE OF ESTUARY is a hammock out of umbilical cords. She collected those live-giving cords for seven years from her own goat flock in the desert of Sinai. Husar is uncovering in her spacious studio a unique approach to evolutionary history and the interconnection between cultures and times.

Die ehemalige Zuckerlfabrik SANA ist aktuell das Studio der Multimedia Künstlerin Barbara Anna Husar. Im August 2014 hat sie hier ihr bisher grösstes Werk finalisiert. Das Objekt MÜNDUNGSWIEGE ist eine Hängematte aus Nabelschnüren. Die lebensspendenden Datenstränge hat sie über sieben Jahre in der Wüste Sinai von ihrer eigenen Ziegenherde gesammelt. In diesem geräumigen Atelierhaus wird Husars einzigartiger Zugang zur Evolutionsgeschichte und der Querverbindung von Zeiten und Kulturen sichtbar.

Neues Festspielhaus: Delugan-Meissl Architekten . Strassenbeleuchtung: LICHTFABRIK HALOTECH mit Kleboth/Lindinger/Dollnig Architekten und EWO

EM2 Architekten , Bruneck