Angela Glajcar: "Flashback" Die Ausstellung „FLASHBACK“ überspannt ein Jahrzehnt künstlerischen Schaffens, indem Angela Glajcar die zwei raumgreifenden Installationen „2009-072 Terforation“ und „2019-043 Terforation“ erstmalig in der historischen Montagehalle des Kunstraum Dornbirn aufeinandertreffen lässt.

UNTITLED . Peter Kogler . Lichtstadt Feldkirch 2021 Der österreichische Medienkünstler Peter Kogler lässt das Innere der Johanniterkirche vor unseren Augen aus den Fugen geraten. Ein schwarz-weißes geometrisches Muster wird auf die Architektur gemappt. Die computeranimierte Projektion zeigt im Zusammenspiel mit dem von Franz Pomassl entwickelten Sound amorphe Bildwelten und schafft einen labyrinthischen, sich dynamisch verändernden und rekonstruierenden Raum.

"aufbruch in die architekturmoderne el salvadors"

Zahlreiche Schulen, Märkte und Gemeindeämter, große öffentliche Verwaltungs- und Kulturbauten, aber auch eine Vielzahl an Projekten für private Auftraggeber – sie alle zählen zum beeindruckenden und doch in Europa nahezu unbekannten Œuvre, das Ehrentraut Katstaller-Schott (1924 – 2024) und Karl Katstaller (1921 – 1989) in allen Teilen El Salvadors realisiert haben. Die beiden Architekt:innen, die sich in Wien in der Meisterklasse von Lois Welzenbacher kennengelernt hatten, folgten 1952 einem Aufruf der Regierung El Salvadors und wurden in den folgenden Jahren zu bedeutenden Protagonist:innen der architektonischen Moderne des zentralamerikanischen Landes. Die von Ivona Jelčić und Nicola Weber kuratierte und von einer Publikation begleitete Ausstellung im aut dokumentiert erstmals umfassend Leben und Werk des Architekt:innenpaars. Anhand von bisher unveröffentlichtem Material aus dem Archiv Katstaller-Schott wird ihr Weg von der europäischen Moderne bis zum mittelamerikanischen "modernismo tropicalizado" nachgezeichnet und insbesondere das Wirken von Ehrentraut Katstaller-Schott als Pionierin weiblichen Architekturschaffens in El Salvador beleuchtet.

AUTARK . Aron Demetz - Robert Pan On the autonomy of the material and the discipline of the thought and the hand. In an scene dominated by a fixed formal language to make the artwork easily placeable and more accessible forvisitors, collectors and others involved, Aron Demetz and Robert Pan stand their ground of artists who, beside their specific language and practice, engage first and foremost in a continuous and incessent experimenting. This involves all levels of conception, creation and making of the work, and regards the materials as well as the techniques used. Material, method and technique exceed the mere practical and technical dimension to become the proper motor and support for poetical and philosophical choices, hence becoming themselves a form of representation of the subject and the focus of the exhibition at Galleria Doris Ghetta. The total of the works exhibited at the gallery also show a new phase in the artistic research of each artist. They are linked by an ethical and experimental approach, while keeping their very own stilistic singularities. Text by Alessandro Romanini

NUR GESICHTER? PORTRÄTS DER RENAISSANCE

SELBST-INSZENIERUNGEN Die Ausstellung thematisiert vor allem die bildwissenschaftlichen und sozialgeschichtlichen Aspekte des Porträts. Durch die Abkehr vom religiös motivierten Stifterbildnis des Mittelalters gewann das autonome Porträt als eigenständige Bildgattung in der Frühen Neuzeit zunehmend an Bedeutung. Regenten, Adelige und Patrizier gebrauchten ihr Bildnis als wirksames Mittel der Selbstinszenierung. Durch Kleidung, Schmuck, Wappen und Inschriften unterstrichen sie ihren gesellschaftlichen Rang. Ein einzigartiges Zeugnis ist das Trachtenbuch des Matthäus Schwarz, in dem er sich in 137 wechselnden Kleidungen – auch nackt – darstellen ließ. Er gilt somit als bildhaft bestüberlieferter Mensch seiner Zeit. Selbst im Sterben wurde diese Art des „Self-Fashioning“ (Stephen Greenblatt) wirksam: Die Totenporträts Martin Luthers und Maximilians I. verdeutlichen, dass Bilder des „letzten Gesichts“ vor allem politische Aussagen transportieren sollten.   TREFFEN AUF DER PIAZZA Die Ausstellung macht das Ferdinandeum zur Bühne. Das Gestaltungskonzept setzt die Porträts auf einer Piazza in Szene und lässt die Aura der längst vergangenen Präsenz der Reichen und Mächtigen der Renaissance wieder aufl eben. Die Schau versammelt 130 Exponate aus den Beständen der Tiroler Landesmuseen sowie Leihgaben bedeutender Museen und Privatsammlungen. Gezeigt werden Gemälde, Zeichnungen, Druckgrafiken, Schmuckstücke, Porträtmedaillen und Schau-Münzen von Künstlern wie Albrecht Dürer, Hans Burgkmair dem Älteren, Christoph Amberger, Jörg Breu dem Älteren, Hans Wertinger oder Lucas Cranach dem Älteren und dem Jüngeren.

„Our projects are examples of attitudes rather than designs. They are samples in a series of contextual examinations rather than isolated masterpieces. They are associative rather than symbolic. They are comments rather than statements. Every story told is a shared experience of contemporary conditions set within a given frame.“ (Snøhetta)

Fotoarbeiten entstanden im Rahmen des Projekts "Steine zwischen den Fronten . antifaschistische Denkmäler im ehemaligen Jugoslawien" von Melanie Hollaus und Christoph Lammerhuber . Das Denkmal für die Revolution (Spomenik Revoluciji) ist ein Denkmal des jugoslawischen Bildhauers Dušan Džamonja, welches von 1971 bis 1972 im Nationalpark Kozara im heutigen Bosnien und Herzegowina errichtet wurde. Es erinnert an die gefallenen Partisanen der Kozara-Offensive (von den Achsenmächten als Operation West-Bosnien bezeichnet) im April 1942. Nachdem die Partisanen eine Reihe von Gebieten erkämpfen konnten, mobilisierten die Achsenmächte tausende Soldaten, davon 15.000 Soldaten von der Wehrmacht, dazu 22.000 Soldaten der Ustascha und weitere Soldaten faschistischer Organisationen. Dagegen standen 3.000 Partisanen mit etwa 60.000 untrainierten Unterstützern aus der Zivilbevölkerung. Nur 900 Partisanen überlebten den Kampf und mindestens 10.000 Zivilisten verloren ihr Leben. Es war eine der tragischsten Niederlagen der Partisanen. (Quelle WIKIPEDIA)

Auf beiden Seiten des 120 Meter langen Tunnels unter dem Hauptbahnhof erzeugt Peter Sandbichler mittels reliefartiger Wandinstallationen ein Erfahrungsambiente. Dieses kalkuliert damit, nicht aus einer statischen Position, sondern stets im Durchschreiten oder Durchfahren wahrgenommen zu werden und trägt so der Funktion des Ortes als Passage Rechnung. Die Arbeit besteht aus abwechselnd konkaven und konvexen Keramikmodulen in zwölf Farben, die nach seriellen Prinzipien angeordnet sind. Die Profile der Module sind so gestaltet, dass sich aufgrund von Überlappungen der Formen und Farben beim Durchqueren des Tunnels ständig wechselnde optische Effekte ergeben. Sandbichler schließt damit an Fragestellungen und Gestaltungsprinzipien an, die ab Mitte der 1950er-Jahre die Op Art beschäftigt haben. Sie führt uns die Täuschbarkeit unserer Sinne buchstäblich vor Augen und macht – wie Sandbichlers Installation – die Rezeption von Kunstwerken zu einer körperlichen Erfahrung, da diese aus wechselnden Perspektiven immer wieder anders erlebt werden. An ihrem spezifischen Ort, im Tunnel unter dem neuen Hauptbahnhof, der zwei soziokulturell sehr unterschiedliche Bezirke miteinander verbindet, wird Sandbichlers Installation so auch zu einem Plädoyer gegen starre Positionen zugunsten von Offenheit und Toleranz. Der Werktitel 12 Töne ist eine Anspielung auf die Zwölftonmethode bzw. die Reihentechnik in der Musik, die ebenso wie diese Arbeit mit einem festgelegten limitierten Tonmaterial in seriell-variierenden Anordnungen operieren. Text: Eva Badura-Triska

Als Francesca Torzo 2016 im Rahmen der Ausstellung „Italomodern 2“ als Ver­ treterin der jungen Generation im aut war, galt die 1975 in Padua geborene Archi­ tektin noch als Geheimtipp. Inzwischen zog sie mit ihrer sensiblen Erweiterung des Z33 – Zentrum für zeitgenössische Kunst in Hasselt internationale Aufmerksam­ keit auf sich und war etwa unter den fünf Finalisten beim international renommier­ ten Mies van der Rohe Award 2022. Die von Francesca Torzo für das aut gestaltete Ausstellung „Day by Day“ ist ihre erste große Personale. In Form eines atmosphärisch dichten Parcours durch unsere Räumlichkeiten werden für sie wesentliche architektonische und gesellschaft­ liche Fragestellungen verhandelt und die Arbeitsweise des Büros vorgestellt. Eine Ausstellung in Kooperation mit Fondazione maxxi, Rom und Triennale di Milano (Text: aut - Architektur und Tirol)

Monika Sosnowskas massive Arbeiten vermitteln eine irritierende Leichtigkeit, die in der schnellen, humorvollen Geste der Manipulation von industriell hergestellten Bauelementen nur kurz standhält. Den schwergewichtigen Skulpturen ist ihr Produktionsprozess spürbar eingeschrieben, die Leichtigkeit wird von der tonnenschweren Materialität konterkariert und aufgelöst. Der Titel der Arbeit „T“ (2017) orientiert sich am Ausgangsmaterial – nicht an der entstehenden L-Form –, nämlich einem tragenden Bauelement, welches statischen Ansprüchen Rechnung trägt und nach dem Bauprozess meist unsichtbar ist. So auch die Stahlstreben von „Rebar 16“ (2017), einem Bündel aus 16 Millimeter dicken Bewehrungsstäben, deren Oberfläche eine gute Haftung für den umgebenden Beton bietet, um Zug- und Druckkräften im Gebäudeverbund standzuhalten. Das weiße ehemalige Rohr ist mit „Pipe“ (2020) bezeichnet und die hängende Gitterstruktur nennt die Künstlerin „Facade“ (2013). Im letzten Fall lasten 1,3 Tonnen Materialschwere auf der singulären Aufhängung – und pointiert ironisch auf dem Berührungspunkt einer Ecke auf dem Boden. Sosnowska ahmt die Baumaterialien nicht im heute vielbeschworenen 3D-Drucker nach, sondern lässt sie industriell fertigen, sprich bautechnisch voll funktionsfähig ausbilden. Die Künstlerin eignet sich die Charakteristika der Materialien an, indem sie nach der Herstellung deren Funktion durch kraftvolle Manipulation wieder ad absurdum führt. Die fertigen Teile werden gebogen und verzogen, bis das Material ermüdet und der neuen Form nachgibt, die es dann unveränderbar annimmt und trägt. Dabei spielen Zufall und Schnelligkeit eine schwindend geringe Rolle. Vielmehr ist die inhärente Choreographie der Arbeiten in Modellen und Zeichnungen vorbestimmt, die Tragfähigkeit der Struktur durchdacht und die räumlich-suggestive Wirkung präzise gesetzt. Den Arbeiten ist eine dysfunktionale Referenz ihrer ursprünglichen Bestimmung inhärent, die eine besondere Ästhetik und Poetik zu erzeugen vermag. (Text:  Kunstraum Dornbirn)

Chiharu Shiota Who am I Tomorrow? Kunstraum Dornbirn Ausstellungsdauer 7. Juli bis 12. November 2023 täglich 10 bis 18 Uhr Chiharu Shiota ist 1972 in der Präfektur Osaka, Japan, geboren und lebt seit 1998 in Berlin. 1992–1996 studierte sie an der Seika-Universität in Kyoto und besuchte 1996–1997 die Hochschule für bildende Künste in Hamburg. Danach studierte sie bis 1999 an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig und anschließend bis 2003 an der Universität der Künste in Berlin. Ihr Werk wurde weltweit in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert, unter anderem vertrat sie 2015 Japan auf der Biennale in Venedig.

„Die Gruppendynamik ist ein undurchschaubares, unergründliches Ding. Viele Köpfe, viele Luftschlösser, viele Phantasien, viele Unterschiede.  Das bringt Vorteile mit sich, hindert uns aber ebenfalls daran alles unter einen Hut zu bekommen.  Das kann man als Schwierigkeit betrachten, kann es aber auch nutzen um sich nicht unter einen  Hut stecken zu lassen. Eines steht jedenfalls fest: Wir sind zwar ein Verein mit einer sich wandelnden Agenda, haben es uns aber zum Auftrag gemacht gemeinsam Dinge anzupacken, auszutüfteln, sie auszuloten und wieder aus dem Gleichgewicht zu bringen. Wir kippeln bis es kribbelt und erforschen Kratergrenzen bis der Meteorit uns trifft. Dafür müssen wir mit euch träumen, diskutieren uns auseinander- und wieder zusammensetzen.“ (Krater Fajan)

Die Ausstellung „on/“ der österreichischen Künstlerin Judith Fegerl ist mit dem Kunstraum Dornbirn symbiotisch verschmolzen und schaltet ihn ein. Strom fliesst. Für Fegerls Arbeiten kommt der Strom jedoch nicht wie gewohnt aus der Steckdose, sondern von einem eigens für die Ausstellung konzipierten und installierten Solarkraftwerk an der Südseite des Ausstellungsraums – eine geschichtsträchtige Referenz, wurden doch in der ehemaligen Montagehalle, welche die Rüsch-Werke 1893 erbauten, Turbinen für die ersten Wasserkraftwerke gebaut. Mit der Umwidmung der rohen Industriearchitektur von einer Produktionsstätte in einen Raum zur Präsentation Bildender Kunst wurde nicht nur eine einzigartige Ausstellungssituation geschaffen, die ortsspezifische Kunstproduktion besonders reizvoll macht. Der Betrieb ist seit jeher den witterungsbedingten Schwankungen unterworfen. Fegerl interessiert grundlegend, was hier ansatzweise angesprochen und sonst wenig beachtet wird: Wie funktioniert der Ausstellungsbetrieb? Welche Infrastruktur ist vorhanden und erfüllt sie die Mindestanforderungen? Wie fragil, verwundbar oder leistungsfähig ist sie? Wie wirkt sich das Klima, der Sonnenstand oder die Dunkelheit auf die Werke und ihre Wahrnehmbarkeit aus? Die Künstlerin arbeitet mit dem gesamten Gebäude, verschränkt Geschichte und Gegenwart, interveniert in dessen Substanz und involviert maßgebliche funktionale Elemente. Fegerls Auseinandersetzung fordert durchaus institutionskritisch dazu auf, Nachhaltigkeitsbestrebungen in Institutionen sowie dem übergeordneten kulturpolitischen System zu intensivieren und durch infrastrukturelle Umstellungen am Puls der Zeit zu bleiben. Die Dornbirner Ausstellung bildet das multimediale Spektrum Fegerls künstlerischer Arbeit in einer fein aufeinander abgestimmten Setzung im Raum ab. Die Erforschung der Möglichkeiten elektrischer Energie als bildhauerisches und bildgebendes Material provoziert eine Reflexion über die Verfügbarkeit und den Umgang mit Ressourcen. Die Künstlerin eröffnet über die Faszination für zeitbasierte, transformative Prozesse von Kräften und Materialien einen experimentellen Raum. Die Verknüpfung einer Ästhetik des Funktionalen mit der Autonomie der Kunst leistet einen Beitrag in den aktuellen Debatten um Ausstellungspraktiken und deren Verantwortlich- sowie Möglichkeiten, ist aber auch ein Kommentar zu einer gesamtgesellschaftlichen Haltung in unserer an Komplexität zunehmenden Gegenwart: „Man kann sie nicht sehen, man kann sie nicht hören, und man kann sie bis zu einem gewissen Grad auch nicht spüren. Trotzdem ist elektrische Energie die Grundlage unseres modernen, technologisierten Lebens: Fortschritt und Entwicklung, Nutzen und Luxus, aber auch Konflikte über Verteilung und Bereitstellung und vor allem die Umweltproblematik – Energie ist ein hochpolitischer Stoff.“ (Judith Fegerl) Judith Fegerl wurde 1977 in Wien geboren, wo sie heute lebt und arbeitet. Sie absolvierte den Studiengang „Visuelle Mediengestaltung und digitale Kunst“ an der Universität für angewandte Kunst in Wien bei Karel Dudesek, Thomas Fürstner und Peter Weibel (Diplom 2004). Zeitgleich studierte sie an der Akademie der bildenden Künste Wien „Kunst und neue Medien“ bei Peter Kogler und Birgit Jürgenssen (Diplom 2006). 2019 erhielt die Künstlerin den Medienkunstpreis der Stadt Wien und kürzlich wurde sie mit dem Dagmar-Chobot-Skulpturenpreis 2022 ausgezeichnet. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog. (Kunstraum Dornbirn 2023)

Edith Stein – Philosophin und Mystikerin, Jüdin und Christin, Frauenrechtlerin, Ordensfrau und Heilige, Opfer der Shoah: Zum 80. Todestag der Namensgeberin  der benachbarten Hochschule thematisiert das Museum Stift Stams mit einer Ausstellung zeitgenössischer Arbeiten Leben und Werk der Patronin Europas. Idee und Auftrag stammen nach der erfolgreich rezipierten Petrus Canisius-Ausstellung im Jahre 2021 wiederum von dem Kunsthistoriker und Bischof von Innsbruck Hermann Glettler.  Rund 40 Positionen hat Kurator Hubert Salden aus Galerien und Museen quer durch ganz Europa von Antwerpen über Berlin und Barcelona bis Wien zusammengestellt. Gustav Metzger, Luc Tuymans, Marcel Odenbach oder Louise Bourgeois sind ebenso in der Ausstellung vertreten wie die beiden aus Tirol stammenden Künstler Thomas Riess und Franz Wassermann. Die künstlerischen Arbeiten thematisieren, so Kurator Hubert Salden, soziale Aspekte der Gesellschaft heute und deren Entsprechung in der Lebenszeit von Edith Stein ebenso wie die Möglichkeiten des Bildnerischen als Ausdruck des Geistigen in einer pluralistischen, von Diversität geprägten Gesellschaft. EDITH STEIN . losing by winning .Ausstellung im Museum Stift Stams . bis 11. Dezember 2022 . Mit Werken von: Philippe Agostini . Kenneth Anger . Dieter Appelt . Gabriele Aulehla . Kahled Barakeh . Monica Bonvicini . Louise Bourgeois . Pina Bausch . Christine Colditz . Michael Croissant . Günther Förg . François Gérard . Tue Greenfort . Thomas Hirschhorn . Ali Kaaf . Ursula Kaufmann . Yves Klein . Christiane Löhr . Nina Mair . Thomas Merton . Gustav Metzger . Marcel Odenbach . Albert Oehlen . SUSI POP . Ad Reinhard . Thomas Riess . Andres Serrano . Erik Steinbrecher . Luc Tuymans . Ian Waelder . Mark Wallinger . Franz Wassermann . Lois Weinberger . Eine Ausstellung der Bischöflichen Mensa in Innsbruck, Stift Stams und der KPH Edith Stein . Kurator: Dr. Hubert Salden . Ausstellungsorganisation: kub.tirol, Ruth Haas & Astrid Schneider Ausstellungsaufbau: Siegmund Eller Assistenz: Noam Schwarz Beleuchtung: Architektenteam Christian Höller & Martin Zangerl Technik: Otto Wulz Visuelle Gestaltung und Design: Günther Thöni Kunsttransporte: Nikolaus Opperer, Günther Ludwig, Otrans Ausstattung: Rahmen Auer, Beschriftungen Karl Walch, Foto Lamprechter, Hörtenbergdruck, Team der Diözese Innsbruck und der Bischöflichen Mensa Fotografie: Günter Richard Wett, Verwaltung & Team Stift Stams Sponsoren und Förderer Österreichische Ordenskonferenz Teresianischer Karmel in Österreich Zisterzienserabtei Wettingen-Mehrerau Erzdiözese Salzburg Diözese Feldkirch Diözese Innsbruck Freundeskreis Stift Stams Edith-Haberland-Wagner-Stiftung, München Raiffeisen Landesbank Tirol AG Innsbruck Tourismus UNIQA Athesia AG/Spa Gemeinde Stams Land Tirol

Tony Oursler - Specular Eröffnung 2. September 2021, 16 – 20 Uhr Ausstellungsdauer 3. September – 21. November 2021 Tony Oursler präsentiert im Kunstraum Dornbirn mit „Specular “ eine mehrteilige Videoinstallation. Auf Sphären unterschiedlicher Dimension werden eigens für den Kunstraum Dornbirn entwickelte Videosequenzen projiziert. Mit der Ausstellung in Dornbirn entwickelt Tony Oursler die seit 1996 fortlaufende Serie Obscura weiter, eine Werkreihe, die die Position der Betrachter*innen in Bezug auf das Spektakel aktueller popkultureller Sehtrends thematisiert. Der amerikanische Multimediakünstler Tony Oursler (*1957 in New York, USA) gilt als einer der Pioniere der Medienkunst. Er beschäftigt sich seit den 1970er mit der permanenten Weiterentwicklung der Medien, den daraus resultierenden stetigen Veränderungen und Auswirkungen der Informationsflut auf den Menschen.

Fotoarbeiten entstanden im Rahmen des Projekts "Steine zwischen den Fronten . antifaschistische Denkmäler im ehemaligen Jugoslawien" von Melanie Hollaus und Christoph Lammerhuber .

Name: The Battle of Sutjeska Memorial Monument Complex in the Valley of Heroes

Location:  Tjentište, Republic of Srpska, Bosnia & Hercegovina

Year built: 1971 (2 years to build)

Designer: Miodrag Živković

Generalplaner Architektur: STUDIO MAKS Generalplaner Ausstellung: büro wien. Inszenierte Kommunikation Marketing GmbH

mit TEODORA AXENTE , ALIN BOZBICIU , OANA FARCAS , SERGIU TOMA

ein fotografischer Besuch bei Barbara Anna Husar in Ihrem neuen Atelier !  On the former industrial site of a leading company for pneumatic and electric drive technology is the new studio of multimedia artist Barbara Anna Husar. On top of the tower in the canteen, wheels of primeval vertebral pieces are turning around the  cradle of estuary,  a hammock made from umbilical cords. The artist refers to her studio as a ship out of water in a sea of meteorite's traps. The 3 bonewheels are steering wheels for navigating different timelines for the creation of a lightning bolt from the umbilical cords. Outdoor and indoor space on Level 8 and the tower's basement are interwoven with fine mesh structures to enable this multimedia process. Barbara Anna Husar treats the working space as a material of her art. Her studio is a communicating vessel.  

teodora axente , solo exhibition

martin und werner feiersinger

laac architekten , innsbruck . liquid frontiers , wien

Raumgestaltung der Sonderaustellung “Mehr als Worte. Zeichen. Symbole. Sinnbilder ” im Volkskunstmuseum Innsbruck Verkehrszeichen, Richtungspfeile, Qualitäts- und Besitzzeichen oder Emoticons am Handy: Unsere tägliche Kommunikation und Wahrnehmung werden wesentlich von Zeichen und Symbolen bestimmt. Sie sind Hinweis und Orientierungshilfe oder geben Auskünfte über Gedanken und Gefühle. Manche Symbole haben mehrere, oft gar gegenläufige Bedeutungen. So kann ein Schlüssel sowohl auf eine Amtswürde als auch auf eine Schlosserwerkstatt hinweisen oder gar ein Liebesbeweis sein. Es zeigt sich, dass Zeichen und Symbole in ein soziales, zeitliches und kulturelles Umfeld eingebettet sind. Deshalb sind manche Botschaften nicht für jedermann  verständlich.  Wer vermag beispielsweise heute die komplexe Bedeutung von Zunftzeichen zu entschlüsseln? Anhand historischer und gegenwärtiger Objekte beleuchtet die Ausstellung unterschiedliche Facetten dieser nonverbalen Kommunikationsform. Sie zeigt, dass selbst einfache Zeichen und Symbole komplexe Informationen vermitteln können – mehr als Worte dies in einer so kurzen Zeit auszudrücken vermögen. Würden wir uns in einer Welt ohne Zeichen und Symbolen überhaupt zurechtfinden? Text: TVKM

Ausstellung	24. April 08. November 201
Konzept	Barbara Lanz, Sonja Mitterer
Projektpartner	Volkskunstmuseum Innsbruck
	Karl Berger
	dazdesign Innsbruck

Installation - The BOO Train

Hitthaler Stefan und Christian Schwienbacher

Konzept, Projektleitung, Textredaktion: Rath und Winkler . Gestaltung: arge gillmann schnegg, Ursula Gillmann, Matthias Schnegg, Margarethe Greiner

zeigt die Ergebnisse der 2,5 Jahre währenden visuellen Recherche in den Tiroler Flüchtlingsheimen . von Robert Gander und Günter Richard Wett . Innenraumgestaltung: Veit Streli und Harald Hofer . Licht von LICHTFABRIK HALOTECH

Kunst von Bruch, Gappmayer, Wach, Anvidalfarei, Weinberger,.....

Architektur: Doris Wilhartitz

http://www.husar.tk/zuckerlfabrik.php

The old Candyfactory SANA in Vienna/Brigittenau is now the studio of multimedia artist Barbara Anna Husar. In August 2014 she finalized there her biggest project so far. The Object CRADLE OF ESTUARY is a hammock out of umbilical cords. She collected those live-giving cords for seven years from her own goat flock in the desert of Sinai. Husar is uncovering in her spacious studio a unique approach to evolutionary history and the interconnection between cultures and times.

Die ehemalige Zuckerlfabrik SANA ist aktuell das Studio der Multimedia Künstlerin Barbara Anna Husar. Im August 2014 hat sie hier ihr bisher grösstes Werk finalisiert. Das Objekt MÜNDUNGSWIEGE ist eine Hängematte aus Nabelschnüren. Die lebensspendenden Datenstränge hat sie über sieben Jahre in der Wüste Sinai von ihrer eigenen Ziegenherde gesammelt. In diesem geräumigen Atelierhaus wird Husars einzigartiger Zugang zur Evolutionsgeschichte und der Querverbindung von Zeiten und Kulturen sichtbar.

Tales from the valley - 5.7. – 1.10.2014 Pontives TALES FROM THE VALLEY Group show from artists of Cluj Pontives 202 5.07. – 1.10.2014 Tus – Sat 16h - 19h Teodora Axente, Dan Beudean, Alin Bozbiciu, Oana Farcas, Sergiu Toma curator: Günther Oberhollenzer

Zeitsprung 24. Mai – 31. August 2014 mit Carola Dertnig, Heinz Gappmayr, Martin Gostner, Peter Kogler, Peter Sandbichler, Eva Schlegel, Martin Walde, Hans Weigand, Lois Weinberger Die Ausstellung steht im Mittelpunkt des Jubiläumsjahres der Galerie im Taxispalais, die 2014 ihren 50. Geburtstag feiert. Sie versammelt mit Carola Dertnig, Heinz Gappmayr, Martin Gostner, Peter Kogler, Peter Sandbichler, Eva Schlegel, Martin Walde, Hans Weigand und Lois Weinberger renommierte Tiroler Künstlerinnen und Künstler, die auf eine internationale Karriere blicken können und bereits einmal in der Galerie im Taxispalais mit Einzelausstellungen vertreten waren. Ausgehend von der Arbeit war ist wird (1978) von Heinz Gappmayr, die auf der zentralen Betonwand im Hof der Galerie zu sehen sein wird, wurde für die Ausstellung der Titel Zeitsprung gewählt. Er bindet die einzelnen künstlerischen Beiträge lose zusammen und verweist auf das Ineinandergleiten von vergangener, gegenwärtiger und zukünftiger Zeit, sodass er gleichsam die Geschichte der Galerie mitreflektiert. Die Künstlerinnen und Künstler, unter denen sich Teilnehmer/innen von wichtigen Großausstellungen wie der documenta oder der Biennale von Venedig befinden und von denen einige an Kunstakademien unterrichten, werden jeweils einen Werkkomplex zeigen, wobei ein Großteil der Arbeiten eigens für die Ausstellung entsteht.

Ausstellung im aut, architektur und tirol

ausstellung von Sasha Pirker . Paul Ott . Günter Richard Werr . Lotte Schreiber im aut . architektur und tirol in Innsbruck

von laac + liquid frontiers ambach im ötztal

Ausstellung: 22. November 2013 bis 23. März 2014 . Zeughaus Innsbruck, Konzept: Barbara Lanz, Sonja Mitterer, Projektpartner: Museum im Zeughaus Innsbruck . Peter Morass . dazdesign Innsbruck

Ausstellung "Bonne Heure" im Kunstpavillon in Innsbruck

Kunst: Paul Renner und Christian Thanhäuser

Holzer Kobler Architekturen . Zürich

LichtPlanung und SonderLeuchten : LICHTFABRIK HALOTECH, BauHerr: OeBB und Stadt Innsbruck

Sonderausstellung „Dreck“ Tiroler Volkskunstmuseum Innsbruck Konzeption: Barbara Lanz, Sonja Mitterer

openSpace . Styleconception, Charly Walter - Innsbruck

Gymnasium Gallusstrasse , Bregenz . Architektur : Hein-Troy Architekten , Bregenz/Wien

mit Martin Sailer und Christian Reiter

Installation . aut - architektur und tirol

Landesausstellung 2009

im ehemaligen ASTRA Kino - Brixen

Galerie Widauer - Innsbruck

openSpace . Styleconception, Charly Walter - Innsbruck

Ausstellung Walter Angonese und Manfred Alois Mayr . aut - Innsbruck

Galerie im Taxispalais - Innsbruck

diverse Arbeiten

Galerie im Taxispalais - Innsbruck

Atelier Architekt Hannes Stiefel - Wien

“Das” Hotel - die Mauer: die Zukunft der Natur ; Landesausstellung 05

Architekturforum Tirol - Innsbruck

Kunst am Bau - Innsbruck

Galerie im Taxispalais - Innsbruck

Galerie im Andechshof - Innsbruck

Galerie im Andechshof - Innsbruck

Architekt Walter Angonese + Architekt Markus Scherer